Projects - Proyectos
SAIC Galleries Exhibition (2025)
[ENG]
During February and March 2025, I presented two of my works at the SAIC galleries as part of the Graduate Exhibition. As a thesis presentation, this show represents the most significant body of work I have produced in recent months.
The exhibited artworks were: “También tienes que venir mañana / You also need to come tomorrow”, a kinetic installation in which six moving traffic cones symbolize the fragile balance between safety and danger faced daily by laborers. The continuous motion of the cones absurdly reflects the perpetuity of labor—a relentless cycle of effort and risk—while also highlighting various ways to find meaning and resilience. And “60625”, a sound sculpture that recreates the sonic environment of my residential building. Constructed using found objects and sounds, this assemblage allows sound to traverse from one point to another, penetrating thin walls and erasing any sense of privacy for the residents.
I want to thank everyone who was part of the different stages of development of these works: Camila López, Dan Miller, Ellen Rothenberg, Juan Angel Chavez, Lou Mallozzi, Lori Waxman, Maria Gaspar, Nic Collins, Oliver Y. Shao, Pascale Larré, Robb Drinkwater, Shawn Decker, Tirtza Even, Whitney Johnson, and Yoko Lee.
This project was supported in part by a grant from The Mitchell Foundation, administered through Art and Technology / Sound Practices at the School of the Art Institute of Chicago.
[ESP]
Durante febrero y marzo de 2025, presenté dos de mis obras en las galerías de SAIC como parte de la Graduate Exhibition. Como presentación de tesis, esta muestra representa el cuerpo de trabajo más significativo que he producido en los últimos meses.
Las obras exhibidas fueron: “También tienes que venir mañana / You also need to come tomorrow”, una instalación cinética en la que seis conos de tráfico en movimiento simbolizan el frágil equilibrio entre la seguridad y el peligro al que se enfrentan diariamente los trabajadores. El movimiento continuo de los conos refleja absurdamente la perpetuidad del trabajo—un ciclo implacable de esfuerzo y riesgo—al mismo tiempo que destaca diversas formas de encontrar significado y resiliencia. Y “60625”, una escultura sonora que recrea el entorno sonoro de mi edificio residencial. Construida con objetos encontrados y sonidos, este ensamblaje permite que el sonido atraviese de un punto a otro, penetrando paredes delgadas y borrando cualquier sentido de privacidad para los residentes.
Quiero agradecer a todos quienes fueron parte de las distintas etapas de desarrollo de estas obras: Camila López, Dan Miller, Ellen Rothenberg, Juan Angel Chavez, Lou Mallozzi, Lori Waxman, Maria Gaspar, Nic Collins, Oliver Y. Shao, Pascale Larré, Robb Drinkwater, Shawn Decker, Tirtza Even, Whitney Johnson y Yoko Lee.
Este proyecto fue apoyado en parte por una beca de The Mitchell Foundation, administrada a través de Art and Technology / Sound Practices en la School of the Art Institute of Chicago.
Video and photos by / Vídeo y fotos por Mauricio López F. and/y A. Piriyapokanon.
"60625" (2024)
[ENG]
Size: 24″x24″x75.5”.
Duration: 12 min.
Materials: Recordings of an inhabited apartment, amplifications system, speakers, card catalog drawers, stool, steel pipes, and steel sheet.
Soon after our arrival from Santiago de Chile to Chicago, USA, we were struck by the sounds of one of the two apartments that accepted our papers. Everything in it creaked; sounds traveled and filtered through the enclosure, giving us intimate information about our neighbors, whether we wanted it or not. Our behavior was influenced by the space, leading to various interactions, both rhythmic and narrative. Although we live in the same structure and share the same walls, our stories are unique, and how we catalogue our lives are different.
[ESP]
Dimensiones: 61cm x 61cm x 192cm.
Duración: 12 min.
Materiales: Grabaciones de un departamento habitado, sistema de amplificación, parlantes, cajones archivadores de cartas, taburete, tubería de acero y lámina de acero.
Poco después de nuestra llegada de Santiago de Chile a Chicago, EE. UU., fuimos impactados por los sonidos de uno de los dos apartamentos que aceptaron nuestros papeles. Todo en él crujía; los sonidos viajaban y se filtraban por los espacios, brindándonos información íntima sobre nuestros vecinos, quisiéramos o no. Nuestro comportamiento se veía influenciado por el espacio, lo que provocó diversas interacciones, tanto rítmicas como narrativas. Aunque vivimos en la misma estructura y compartimos las mismas paredes, nuestras historias son particulares: la manera en que catalogamos nuestras vidas es diferente.
Video by / Video por Mauricio López F. and/y A. Piriyapokanon. Additional images / Imágenes adicionales por Sage Lin.
"Esponjas" (2024-XXXX)
[ENG]
“Esponjas” is a live, cooperative installation and performance that relies on the active involvement of both the audience and the space. Three portable recorders are used during the piece: one is handed to the audience so they can record whatever they wish, another is used by the performer to capture sounds in the space that are perceived as interesting, and a third continuously records everything from the beginning of the performance. A graphic score device is used to create a visual structured of the room. All recorded sounds are then collected and individually assigned to separate speakers, which are distributed throughout the space—leading to the alteration of the environment and the people around us through unconventional listening procedures.
[ESP]
“Esponjas” es una instalación y performance en vivo, de carácter cooperativo, que depende de la participación activa tanto del público como del espacio. Se utilizan tres grabadoras portátiles durante la pieza: una se entrega al público para que grabe lo que desee, otra es utilizada por el performer para capturar sonidos del espacio que resulten interesantes, y una tercera graba de forma continua todo desde el inicio de la performance. Se utiliza un dispositivo de partitura gráfica para crear una estructura visual de la sala. Luego, todos los sonidos grabados se recogen y se asignan a distintos altavoces distribuidos por el espacio, lo que resultando en una alteración del entorno y de las personas a nuestro alrededor mediante procedimientos de escucha no convencionales.
Photos by / Fotos por Maya Nguyen.
Live at / En vivo en Elastic Arts, Chicago, IL, USA.
Live at / En vivo en ION Gallery, Kansas City, MO, USA. – Camera by / Cámara por Kyriakos Apostolidis.
"Perceptual Spatial Sonic Measuring Device" (2024)
[ENG]
This object is created for the subjective measurement of how sound—and the physical components related to it—are reacting in a specific space. The goal is to generate a visual comparison based on the acoustic perception of what is being measured and the creative objectives that are being addressed. Therefore, this tool will allow for a graphical observation of how these elements behave. It can be used both by artists working with sound and by anyone who simply enjoy this type of experience.
[ESP]
Este objeto fue creado para la medición subjetiva de cómo el sonido, y los componentes físicos relacionados con él, reaccionan en un espacio específico. El objetivo es generar una comparación visual basada en la percepción acústica de lo que se está midiendo y los objetivos creativos que se están abordando. Por lo tanto, esta herramienta permitirá una observación gráfica de cómo se comportan estos elementos. Puede ser utilizada tanto por artistas que trabajan con sonido como por cualquier persona que simplemente disfrute de este tipo de experiencia.
"Cazado con estrategias no sofisticadas/hunted with unsophisticated strategies " (2024)
[ENG]
This piece depict the moments after being unjustly struck by something: a knife, a tooth, or an insult. All of this spills onto a piano that “plays by itself,” seeming to struggle for autonomy, when in reality, it’s being more controlled than ever. For that, I used a mixed technique of sending and returning MIDI signals, blending organic ideas played on the piano and then digitized, in contrast with completely quantized elements coming from the MIDI to the instrument. This concert was curated by Sam Anthem and hosted by The School of the Arts Institute of Chicago and Experimental Sound Studio.
[ESP]
Esta pieza representa los momentos después de ser golpeado injustamente por algo: un cuchillo, un diente o un insulto. Todo esto se derrama sobre un piano que “toca solo”, pareciendo luchar por la autonomía, cuando en realidad está siendo más controlado que nunca. Para ello, utilicé una técnica mixta de envío y retorno de señales MIDI, combinando ideas orgánicas tocadas en el piano y luego digitalizadas, en contraste con elementos completamente cuantizados que van del MIDI al instrumento. Este concierto fue curado por Sam Anthem y organizado por el School of the Arts Institute of Chicago y Experimental Sound Studio.
"Repite después de mí/repeat after me " (2024)
[ENG]
The piece was built around the historical relationship between repetition and spirituality, where various call-and-response strategies create an intriguing duality between collectivity and hierarchy. In this way, all attendees received the graphic score before the performance, with no further explanation, allowing both the title and the graphic linearity to guide the interactivity. In this context, the graphic score became a device for activating the complex cultural heritage of repetition in an unknown live setting.
[ESP]
“Repite después de mí/Repeat after me” es una partitura gráfica y una posterior performance encargada por Alberto Aguilar y Chicago Humanities para el evento *Museum Church* en el National Museum of Mexican Art.
La pieza se construyó en torno a la relación histórica entre la repetición y la espiritualidad, donde diversas estrategias de llamada y respuesta generan una intrigante dualidad entre colectividad y jerarquía. De este modo, todos los asistentes recibieron la partitura gráfica antes de la presentación, sin ninguna explicación adicional, permitiendo que tanto el título como la linealidad gráfica guiaran la interactividad. En este contexto, la partitura gráfica se convirtió en un dispositivo para activar la compleja herencia cultural de la repetición en un entorno en vivo desconocido.
Live at / En vivo en National Museum of Mexican Art, Chicago, IL, USA.
"How to pop a balloon" with Liz Flood and Sam Anthem (2024)
[ENG]
This project originated in the class “Sound, Performance, and Land” by Whitney Johnson and Raven Chacon at the School of the Art Institute of Chicago. The research focused on the space of the Lincoln Park Conservatory, where various activations took place. In this context, together with Liz Flood and Sam Anthem, we developed a framework titled “How to Pop a Balloon,” which unfolded in different formats.
First, through a series of performances at the {Re}HAPPENING festival of Black Mountain College in North Carolina and Chicago. It also took the form of a spatial audio installation in the Florasonic system, curated by Experimental Sound Studio, at the Lincoln Square Conservatory. Finally, an edited vinyl piece was created under the album title “In Relation to Ferns.”
[ESP]
Este proyecto nace en la clase “Sound, Performance, and Land” de Whitney Johnson y Raven Chacon en el School of the Art Institute de Chicago. La investigación se centró en el espacio del Lincoln Park Conservatory, donde se llevaron a cabo diversas activaciones. En este marco, junto a Liz Flood y Sam Anthem, desarrollamos un marco de trabajo titulado “How to Pop a Balloon,” que se desplegó en distintos formatos.
Primero, a través de una serie de performances realizadas en el festival {Re}HAPPENING de Black Mountain College en Carolina del Norte y Chicago. También, en la forma de una instalación de audio espacial en el sistema Florasonic, curado por Experimental Sound Studio, en el Lincoln Square Conservatory. Finalmente, se creó una pieza editada en vinilo bajo el título del álbum “In Relation to Ferns.”
Photos by / Fotos por ESS.
“In relation to Ferns” audio track:
"Sobre apreciar los malentendidos/About appreciating misunderstandings " (2023)
[ENG]
This piece was born as an attempt to materialize a situation we witnessed on a bus in Chicago. In this context, the clash of different languages and the confusion of translation gave rise to an uncomfortable yet flavorful scene. The initial sketches took the form of precarious notes to capture what was observed, then it was translated into sound. To achieve this, I used a percussive treatment of the guitar based on the resonance of its open strings. I altered these by creating two groups of tunings (each consisting of 3 consecutive strings) in such a way that these would vibrate according to the part of the body that has been hit. On the other hand, the recited voice plays a game of question and answer with an automated translation. This robotic attempt aims to exemplify everything that is lost when translating ideas from the native language to acquired ones. The graphic score arises as a result of some guiding drawings I made during the composition process, and with the idea of not wasting any material, it seemed like a good opportunity to open up its interpretation. Thanks to Sarah Lutkenhaus, who not only helped me with the best strategies for illustrating my ideas but also with the layout of the score.
[ESP]
Esta pieza nació como un intento de materializar una situación que presenciamos en un autobús en Chicago. En este contexto, el choque de distintos idiomas y la confusión de la traducción dieron lugar a una escena incómoda pero llena de matices. Los bocetos iniciales tomaron la forma de notas precarias para capturar lo observado, que luego fue traducido al sonido. Para lograrlo, utilicé un tratamiento percusivo de la guitarra basado en la resonancia de sus cuerdas al aire. Alteré estas cuerdas creando dos grupos de afinaciones (cada uno compuesto por tres cuerdas consecutivas) de tal manera que vibraran según la parte del cuerpo que hubiera sido golpeada. Por otro lado, la voz recitada juega un juego de pregunta y respuesta con una traducción automatizada. Este intento robótico busca ejemplificar todo lo que se pierde al traducir ideas del idioma nativo a uno adquirido. La partitura gráfica surge como resultado de algunos dibujos guía que hice durante el proceso de composición, y con la idea de no desperdiciar ningún material, me pareció una buena oportunidad para abrir su interpretación. Gracias a Sarah Lutkenhaus, quien no solo me ayudó con las mejores estrategias para ilustrar mis ideas, sino también con el diseño de la partitura.
Live at High Concept Labs , Chicago, IL, USA. Camera by / Cámara por Amin Pakparvar and Mehraneh Salimianrizi.
"Himno" (2022-XXXX)
[ENG]
Himno is a series of electroacoustic performances where the performer’s body merges with the monochord, intertwining the relationship between sound sources and expectations. The instrument undergoes various acoustic, physical, and digital interventions, generating intriguing conversations between material, resonances, and processes. Each performance is unique, exploring different expressive possibilities of this relationship through improvisation.
[ESP]
Himno es una serie de presentaciones electroacústicas donde el cuerpo del intérprete se fusiona con el monocordio, entrelazando la relación entre las fuentes de sonido y las expectativas. El instrumento es sometido a diversas intervenciones acústicas, físicas y digitales, generando conversaciones intrigantes entre el material y sus resonancias. Cada presentación es única, explorando distintas posibilidades expresivas de esta relación a través de la improvisación.
Live at Asian Improv aRts Midwest, Chicago, IL, USA.
Live at Carmen Studio, Santiago, RM, Chile.
"ANDER: Resistencia Cultural en el Trolley y Matucana 19" (2022)
[ENG]
ANDER is a multimedia exhibition designed by José Délano and curated by Juan José Santos that portrays two emblematic spaces of the Chilean underground culture of the eighties. These places were key to artistic and recreational development in times of dictatorship. This exhibition was praised by critics on the Artforum.com site and on prominent chilean platforms such as Artishockrevista.com.
In this project I was in charge of the implementation of sound and image. Due to the hybrid nature of the exhibition, we had to use different devices to achieve the expected result. There are a total of 25 raspberry pi that are connected to projectors, CRT TVs and LCD screens. For the sound, we use headphones and build 6 custom-made directional speakers that hang from the ceiling. This allowed us to generate different acoustic atmospheres, reminiscent of the ambient sounds of the bohemian spaces of that time.
The exhibition was held at the National Museum of Fine Arts of Chile and Matucana 100.
[ESP]
ANDER es una exposición multimedia diseñada por José Délano y curada por Juan José Santos que retrata dos espacios emblemáticos de la cultura underground chilena de los años ochenta. Estos lugares fueron clave para el desarrollo artístico y recreativo en tiempos de dictadura. La exposición fue elogiada por la crítica en el sitio Artforum.com y en destacadas plataformas chilenas como Artishockrevista.com.
En este proyecto, estuve a cargo de la implementación de sonido e imagen. Debido a la naturaleza híbrida de la exposición, tuvimos que utilizar distintos dispositivos para lograr el resultado esperado. En total, hay 25 Raspberry Pi conectadas a proyectores, televisores CRT y pantallas LCD. Para el sonido, utilizamos audífonos y construimos seis altavoces direccionales hechos a medida que cuelgan del techo. Esto nos permitió generar distintas atmósferas acústicas, evocando los sonidos ambientales de los espacios bohemios de aquella época.
La exhibición se realizó en el Museo Nacional de Bellas Artes de Chile y Matucana 100.
Photos by / fotos por Sebastián Mejía.